Trauma Cinéfilo recomienda:

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Cursos de septiembre: 4 bárbaros en Hollywood y 4 asiáticos contemporáneos

Hollywood bárbaro

Las cuatro películas de este curso tienen en común la barbarie, 
entendiendo barbarie como pasión, afecto expresado primitiva
 y brutalmente en ocasiones, extranjería en un par de casos, 
excepción a la norma sin salirse del sistema de estudios, creatividad
 no sujeta a la corrección política. Los cuatro directores de este 
grupo incluyen a un viejo zorro del Hollywood clásico que nunca se dejó domesticar (Samuel Füller), dos europeos que amaban el espectáculo
 y la transgresión (el británico Boorman y el holandés Verhoeven), 
y un miembro de la generación del 70 que pagó el precio de su
 frontal extremismo (Friedkin, de Contacto en Francia y El exorcista). 
Los cuatro sabían contar historias como los dioses y bailar
 con el diablo.

Fecha: Miércoles 5, 12, 19 y 26 de Septiembre, 
de 19:30 a 21:30 hs.

Otra fecha: Sábados 8, 15, 22  y 29 de Septiembre, 
de 10:30 a 12:30 hs.

Lugar: Avda. Congreso y Avda. Cabildo. Valor: $180.-

Informes e inscripción: marcosvieytes@hotmail.com 
/ 15-6554-4721 /            4784-1292      

Deliverance (John Boorman): El camino del héroe atraviesa 
el sur profundo – Violación y poder: hacerse hombre – Duelo 
de banjos – Ser es caminar sobre el agua y ascender por un acantilado – 
La primera mirada: aventura y descubrimiento – La iglesia rodante – 
Bebés, gordura y simbología de los roles cómicos clásicos.

White Dog (Samuel Füller): El cineasta sensacionalista – Novela 
negra, periodismo amarillo y cine – El perro racista – La ternura
 de los brutos – Cómo impactar sin efectos especiales: ética de la espectacularidad – Mirar a Europa con desconfianza: clase B 
y Nouvelle Vague – Hollywood como Arca de Noé.

Flesh + Blood (Paul Verhoeven): La pandilla salvaje medieval 
– Elogio de la vulgaridad – Codicia y la lujuria – La armada 
pantagruélica: licencias del grotesco – El poder por asalto o el ascenso
 social de los desconocidos de siempre – Fantasía femenina 
de la violación – Tenebrismo carnal y feísmo estimulante. 

Vivir y morir en Los Angeles (William Friedkin):
 Entre el clasicismo físico de los 70 y el colorismo vistoso 
de los 80 – Policial negro y amoralidad contemporánea – Disparar 
a la cara – Arte moderno y sexualidad – Virtuosismo de 
la persecución automovilística – El sexo del Mal – Tensión entre
 narrativa seca y composición estilizada.

Pintar lo que pasa: 4 cineastas asiáticos

Hay pocos cineastas a los que les importe tanto la composición
 –visual y sonora- como a estos cuatro directores orientales contemporáneos. Podemos decir que pintan lo que pasa porque están obsesionados con 
registrar lo pasajero –el tiempo y las relaciones en el tiempo-  tanto como 
preocupados por el entorno cultural que moldea a sus personajes. 
Dedicaremos un encuentro a cada director, en el que se proyectarán
 fragmentos de sus películas, analizadas en relación con la cinematografía 
de sus respectivos países, con el cine moderno europeo y con Hollywood.

Fecha: Jueves 6, 13, 27 de Septiembre y jueves 4 de Octubre, 
de 19:30 a 21:30 hs.

Lugar: Avda. Congreso y Avda. Cabildo. Valor: $180.-

Informes e inscripción: marcosvieytes@hotmail.com
 / 15-6554-4721 /            4784-1292      

Kim Ki-duk (Corea del Sur): La violencia estilizada – Egon 
Schiele junto a Playboy – La elocuencia del silencio 
– La división de un país – Punto de vista flotante – 
Voyeurismo y religiosidad

Takeshi Kitano (Japón): La lírica brutal – El gángster artista
 – Cine de género y arte moderno – La violencia cómica – 
Esperas y desvíos – Recuperación de la infancia.

Wong Kar-wai (Hong Kong): Ralenti, fragmentación y ritmo – 
El montaje musical – El tiempo como plazo – Miradas y memoria - 
El dolor del encierro: nostalgia, melancolía y soledad.

Hou Hsiao-hsien (Taiwán): El hombre que filmaba pasar los trenes –
Su relación con el cine japonés – Bloques de color – Desorientaciones y desplazamientos – La Historia vista a través de lo doméstico – 
Luz y pulso.

No sufras porque en el cine hay una película del chueco. La solución al malestar se encuentra en Viamonte 2045.

¡FILMOTECA EN VIVO! - Viamonte 2045 –

viernes 17, a las 20hs. EL CUCHILLO BAJO EL AGUA, ópera prima de Roman Polanski;

a las 22hs. INVASIÓN de Hugo Santiago.
sábado 18, a las 20.30hs. ALPHAVILLE de Jean-Luc Godard,

y a las 22.30hs. NOCHE ALUCINANTE de Sam Raimi.
domingo 19, a las 17.30hs. LOS CABALLEROS DE LA MESA CUADRADA de Terry Jones y Terry Gilliam, con los Monty Python, y a las 19:15hs. CORAZÓN SALVAJE, de David Lynch.
¡Todas copias nuevas en 35mm.!

Trauma Cinéfilo se enorgullece en anunciarles que tenemos un crítico de lujo invitado que hará la cobertura del esperado y ansiado BAZOFI.

Con ustedes: Diego Trerotola

Cuestionario Trauma Cinéfilo

1) ¿A qué le tenés miedo?: 

A las alturas reales y de ficción (¿o hay diferencia entre miedo y fobia?), a que desaparezca el invierno, a que mi casa se llene de plantas en macetas, a los que hacen tributo de Joaquín Sabina, a que los gatos me ignoren, a que yo no cambie más. Creo que son miedos menores, nunca tuve un ataque de pánico ni nada parecido y a veces tengo miedo de no tener miedo, como dice una novela de Gombrowicz.

2) Tus 5 directores favoritos:

John Waters, Betzy Bromberg, Tsai Ming-liang, Joe Dante, Jack Smith

3) Tus 10 películas preferidas:

Son nueve largos y una compilación de cortos: Pink Flamingos, Sherlock Jr., A Darkness Swallowed, Dumbo, El gato negro (Ulmer), Ensayo de un crimen, Flaming Creatures, Gremlins, Ere Erera Baleibu Icik Subua Arauren. 

Cortos: Window Water Baby Moving, 31/75: Asyl, Pets, Blocking, Scorpio Rising, Heliografía, La banana y el mono, München-Berlin Wanderung, Mario Banana, Award Presentation to Andy Warhol, Motion Picture N° 1

4) Una película perfecta:

Office Space

5) Un director al que detestás:

Podría ser Sam Mendes, vi dos de sus películas y abandoné.

6) Un amor platónico cinéfilo: 

Luis Politti (que, como está muerto, será siempre platónico) y Francis Ford Coppola (con quien me gustaría romper el platonismo)

7) ¿Qué es para vos el cine?: 

Mirar por la ventanilla de un tren en movimiento. La crítica (para mí no hay cine sin crítica) es el nombre que le pongo a la estación donde me gusta bajar a oler el paisaje.

8) ¿Cuál fue el máximo de películas que viste en un día?: 

Creo que siete, durante alguno de esos días perfectos de los festivales de cine, donde la grilla jugó a favor de mi glotonería.

9) Tu mayor trauma cinéfilo: 

No haber visto en fílmico Doble de cuerpo

10) Una película que descubriste últimamente: 

The Thief (1952) de Russell Rouse

11) La película que nunca terminarás de entender: 

Animal Crackers

12) La película que más veces viste: 

Pink Flamingos

13) La película que te da vergüenza decir que te encanta: 

No se me ocurre ninguna. Me daría vergüenza que me gustase 2046.

14) Una película de la que te levantaste y te fuiste: 

Cientos de veces me levanté... En 21 gramos, por ejemplo, me fui al baño, hice un paseo y volví a la sala para poder putearla con más fundamentos. 

15) Una película que detestaste y después te terminó convenciendo o viceversa:

Tonto y retonto, tal vez porque la vi en el momento que estaba asqueado de Jim Carrey.

Cobertura BAZOFI d’hiver por Diego Trerotola

Marx de fondo

Función inaugural: El hombre anfibio (Chelovek-Anfibiya, Unión Soviética-1962) de Vladimir Cheblotaryoy y Gennadi Kazansky, c/Vladimir Korenev, Anastasiya Vertinskaya, Mikhail Kozakov, Anatoliy Smiranin.

“En el fondo del mar no hay ricos ni pobres”, le justifica ideológicamente el Doctor Salvador al periodista Olsen, explicando su plan de crear una nueva civilización submarina para eliminar la lucha de clases. “Una república de ahogados”, le retruca Olsen tras escuchar el detalle de un proyecto tan ridículo. El plan del Doctor Salvador se basa en la experiencia con su hijo Ictiandro que, como su nombre etimológicamente lo adelanta, tiene un implante de branquias de tiburón que lo convirtieron en el anfibio del título. Ese científico podría ser el protagonista de un delirio de ciencia ficción de los 50 en EE.UU., pero es su opuesto diametral en épocas de Guerra Fría: se trata de un excéntrico personaje de una película de marxismo subacuático, tal vez única en su género. Y aunque no se relacione directamente con el cine fantástico made in USA, no tiene nada que envidiarle al ingenio estrafalario de la dirección de arte del Hollywood clase A y/o B: hay ascensores esféricos, decorados geométricos de un constructivismo de saldo, pasadizos secretos tras columnas y mapas gigantes, grutas con estalactitas llenas de bijou.

Lo insuperable y lo generoso de la película son las secuencias subacuáticas, en especial aquella que retrata el hundimiento de la heroína, llamada Gutierre (sic), cuando es atacada por un tiburón y salvada por Ictiandro. Si se piensa que el hombre anfibio es un adelanto bolchevique de El hombre de la Atlántida o una adaptación soviética de Aquaman, la realidad fílmica de Cheblotaryoy & Kazansky supera en brillo a cualquier ficción marítima: el traje de buzo de Ictiandro está cubierto de lentejuelas, igual que sus antiparras, y esas falsas escamas resplandecientes parecen adelantar, en vanguardismo sensual, a una versión submarina del Bowie de Ziggy Stardust con el casco de El fantasma del Paraíso de De Palma, especialmente porque además de anfibio, el actor que interpreta al personajes tiene alto voltaje andrógino. Sí, se trata de marxismo ambiguo y glam pasado por agua, un acuático festín de pop soviético, si es que eso existe.

Si todavía faltaba algo para agregarle excentricismo a la película, la acción transcurre en una escenificada ciudad latinoamericana, que vendría a ser ¡Buenos Aires!, por los carteles de neón nocturnos que fueron filmados por acá y anuncian marcas locales como la yerba “Nobleza Gaucha”, por poner un ejemplo. Y aunque el nombre de la ciudad no se lee nunca en los subtítulos de la copia de la Filmoteca, un blog informado sobre cine ruso confirma este dato, tal vez extraído de alguna sinopsis oficial (http://cinerusia.blogspot.com.ar/2011/12/el-hombre-anfibio.html). Obviamente, la ciudad de pescadores que la película pone en escena no se parece en nada a alguna costa bañada por el Río de la Plata o el Océano Atlántico, más bien es una estampa distorsionada de un pueblo mexicano, como una versión de ¡Qué viva México! de Eisenstein trastocada en álbum de figuritas por Cromy.

La trama tiene algo de cine fantástico y de aventuras, a veces amaga con ser una de piratas, pero finalmente se desvía para el lado del melodrama cándido donde Pedro Zurita, ricachón medio pirata, intenta cazar al joven anfibio, mediomundo mediante, para obligarlo a encontrar las perlas del fondo del mar que le permitirán engrosar su fortuna. Zurita y Ictiandro también se enfrenten por el amor de Gutierre. Entre situaciones ajustadas de folletín y primeros planos congelados en la elocuencia del gesto sufriente, también hay lugar para la diáfana sabiduría del diálogo:

Gutierre: Es un amor a primera vista

Ictiandro:¿Acaso existe otra clase de amor?

Aunque el preciosismo visual del sistema de color soviético condena a la película a una belleza sostenida hasta casi empalagar, y seguro para lograr eso fueron necesarios no uno sino dos directores, es casi imposible dejar de sentir un amor cinéfilo a primera vista, sobre todo cuando Ictiandro se desliza bajo el agua (o incluso cuando salta por el aire para atravesar una vidriera) con una gracia ondulante como de sirena, que también parece tener como objetivo el desvío de cada voyeur. Por eso es bueno advertir que El hombre anfibio tiene una alta dosis de hipnótico delirio visual, un descontrol para los ojos, y hay que tener cuidado de no quedar vizco al final de la película.

Extra, extra!. Mañana comienza el BAZOFI!.

ATENCIÓN CINÉFILOS: 

Mañana jueves 19 de Julio comienza la segunda edición del BAZOFI programado y presentado por Fabio Manes y Fernando Martin Peña.

Lugar: Viamonte 2045

Programación: 

Jueves 19, 20.30hs: Función inaugural - EL HOMBRE ANFIBIO (URSS, 1962) de Vladimir Chebotaryov y Gennadi Kazansky.
Viernes 20, 20hs. Foco Satán – LA POSESA (Italia, 1974) de Mario Gariazzo, c/Stella Carnacina, Ivan Rassimov. 92’. 21.45hs. Programa especial de educación sexual (actividad gratuita). 22.30hs. EL JINETE SHAOLÍN (Hong Kong, ¿?) de ¿? con ¿?, obra maestra misteriosa de artes marciales ¡con autómatas y mutilados en CinemaScope! 90’
Sábado 21, 20hs. Foco Rin Tin Tin – UN GRITO EN LA NOCHE o LA PRESA DEL CÓNDOR (Night Cry, EUA-1926) de Herman Raymaker, c/¡Rin Tin Tin! y música en vivo por Fernando Kabusacki y los de Fuego. 21.15hs. Foco Espacial – COSMOS CON MÚSICA EN VIVO – Selección de documentales sobre el infinito y más allá. 22.30hs. Homenaje a Ivan Mozzhukhin – CASANOVA (Francia, 1927) de Alexandre Volkoff, c/Ivan Mozzhukhin (¡maestro!) en copia única con hermosos virados en colores y música en vivo.
Domngo 22, 17hs. Foco cine español más bueno que la mierda – EL CLAN DE LOS NAZARENOS (España, 1975) de Joaquín Luis Romero Marchent, c/Javier Escrivá y Alexandra Bastedo. 90’. 18.30: Festival de TRAILERS DE SANDRO (actividad gratuita). 19.30hs. GITANO (Argentina, 1970) de Emilio Vieyra, c/Sandro y Soledad Silveyra. 90’ de pura alegría.
Jueves 26: 20.30hs. Foco nazis yanquis y yonquis - HEIL! (EUA, 1973) de Fred Levinson, c/Dan Resin, Richard Shull. 85 distópicos minutos.
Viernes 27: 20hs. Foco Monstruos Nipones – LATITUD CERO (Ido zero daisakusen, Japón-1969) de Ishiro Honda, c/Joseph Cotten y Cesar Romero. 99’. 22hs. Homenaje a Roman Polanski – LA DANZA DE LOS VAMPIROS (The Fearless Vampire Killers, Gran Bretaña-1967) de R. Polanski, c/R. Polanski y Sharon Tate. 107’.
Sábado 28: 20hs. Retrospectiva de Cine de Ciencia Ficción de Europa del Este Durante el Régimen Comunista - OMOIDE (Test pilota pirxa, polonia-1978) de Marek Piestrak, c/Serge Desnitsky. 104’. 21.50hs. Presentación del libro CULT PEOPLE 2 de Nicanor Loreti. 22.30hs. Foco William Malone - CRIATURA (Creature, EUA-1985) de William Malone, c/Klaus Kinski. 97’.
Domingo 29: 17hs. Foco de Dudoso Gusto – LA SVÁSTICA EN EL VIENTRE (Italia, 1977) de Mario Caiano, c/Sirpa Lane, Giancarlo Sisti. 70’. 18.15hs. Festival de TRAILERS DE ISABEL SARLI (actividad gratuita). 19.15hs. Función de clausura – LA ENTREGA (L’occhi dietro la parete, Italia-1977) de Giuliano Petrelli, c/Fernando Rey, John Philip Law, Olga Bisera. 85 impredecibles minutos.

 

Caso 3: La Fée, de Dominique Abel, Fiona Gordon y Bruno Romy

DIRECTOR: Dominique Abel, Fiona Gordon y Bruno Romy

PAÍS: Francia/Bélgica  

AÑO: 2011

DURACIÓN: 93 minutos

GUIÓN: Dominique Abel, Fiona Gordon y Bruno Romy

REPARTO: Dominique Abel, Fiona Gordon, Phillippe Martz, Vladimir Zongo y Bruno Romy

Calificaciones Trauma Cinéfilo

    MAIA DEBOWICZ:

  

       LUCIANO ALONSO:  

NADIA MARCHIONE:  

Caso 3: La Fée, de Dominique Abel, Fiona Gordon y Bruno Romy, por Luciano Alonso

La belleza posible del artificio manifestado

Alguna vez se pensó que la belleza artística respondía a la fidelidad posible en la representación de la realidad. Luego, el concepto se puso en duda, hasta que finalmente se desmintió por completo. Rupturismo, vanguardia.
Luego se volvió a las formas de representación clásica. Los cambios asociados a nuevas tecnologías volvieron a desajustar y descompensar este equilibrio nunca conseguido. Los que aún piensan que el mundo se resuelve en términos binarios, todavía insisten con la idea de defender unas formas de representación sobre otras. 
Lo cierto es que, al día de hoy, la belleza artística aún es un misterio. Subsisten maneras de representación que pretenden ser fieles a la realidad y maneras que lo pretenden sólo parcialmente y maneras que no lo pretenden en absoluto.

La Fée (El hada), es una película que habilita pensar que no pretende ser una representación fiel de la realidad o que sólo lo pretende parcialmente. El indicio más obvio de ello es su título. Como todos sabemos, las hadas son criaturas fantásticas producto de la imaginación o de su contraparte, la fe religiosa. La película, no obstante, no pertenece al género fantástico, toda vez que guarda demasiadas similitudes con el mundo tal como lo conocemos. 
El argumento es simple. Dom es el portero nocturno de un hotel. A poco de comenzar su jornada, recibe a Fiona quien, además de convertirse en huésped ocasional, le confiesa ser un hada e invita a Dom a pedirle tres deseos. Dom, cuyas ambiciones se revelan simples, sólo es capaz de pensar en dos: Tener una moto y gasolina para la moto de por vida. Fiona ocupa su habitación. Dom sufre un accidente doméstico, tras atragantarse con la tapa de metal de un frasco. Fiona lo ayuda y, como quien no quiere la cosa, le salva la vida. Dom se queda dormido. Al otro día, al despertarse, se encuentra con una moto de obsequio en la recepción del hotel y un mensaje de Fiona, que lo cita en un bar. Fiona le comunica a Dom que puede disponer de la nafta almacenada en un inmenso barril cuyas dimensiones alcanzarían para cubrir las necesidades de Dom para toda su vida. 
Hasta aquí, todavía podríamos pensar que la película introduce nociones explícitamente fantásticas o irreales, como milagros y soluciones mágicas. Luego, el espectador descubre que Fiona es una ladronzuela, por lo que se puede inferir que la moto que ha recibido Dom probablemente sea robada y que el acceso a ese depósito de gasolina quizás es fraudulento. 

No obstante, luego suceden otras escenas y situaciones total y completamente irreales. En definitiva, lo fantástico y lo realista van alternándose sucesivamente. Al final, es el espectador el que decide si lo que acaba de ver fue un cuento de hadas, una película simbólica o un disparate. Total, que lo mismo da. Lo que importa es que La Fée es potencialmente divertida y permite que el espectador se deje seducir por la belleza posible del artificio manifestado. Paisajes de catálogo, trucos de cámara rudimentarios, modos artesanales de hacer cine (que no pretenden otra cosa más que una efectividad provisoria y genial, a su manera). Todo eso se conjuga para ayudar al espectador a que imagine más y mejor. En ello radica su gracia y encanto. Enhorabuena. 

Mi escena favorita: Luego de varias aventuras y desventuras, regresan al bar donde se conocieron. En el transcurso de la noche, y con la acumulación de copas, la atmósfera se vuelve rara. Una mujer con rulos, integrante de un equipo de fútbol femenino, canta una canción, recostada sobre la barra, con la camiseta aún puesta. Todo luce mágico y real a la vez en esta escena, acaso la más bella de todas.